“Pauvre sac d’os et d’excréments, tu te pavanes de l’aube au crépuscule et ce n’est pas danser et ce n’est pas esquisser un pas, ce n’est pas
fouetter l’air d’un geste détaché, ce n’est pas l’elégance loin s’en faut,des lignes si fuyantes qu’on les croyait sans fin quasi-inexistantes…
nous n’avons fait que fuir,
nous cogner dans les angles, nous n’avons fait que fuir, et sur la longue route, des chiens resplendissants, deviennent nos alliés..”

Sia che conosciate o meno il francese, questo testo è capace di catturare e di sedurre, di incatenare in questa esplorazione lunare e delirante di spazi veri e immaginati
luoghi devastati, interiori ed esteriori, in attesa della catastrofe finale.
Qualunque sia la vostra opinione sulla vicenda dell’”uomo Cantat”, testo è un capolavoro assoluto.

Francesca Mazzucato

Bonne chance pour la suite! opss… merde!

Istruzioni per l’uso: è la distanza che ci lega in questo mondo di vicinanze. Un apparente paradosso, la rivendicazione di un assioma intellettuale, più semplicemente la constatazione d’una realtà di fatto. Sia quel che sia, il gioco che Fabrizio Tavernelli e i suoi soci dell’impresa Afa mettono in atto con il loro terzo disco (dopo Nomade psichico e Manipolazioni) non si discosta dall’avvertimento stampigliato tatticamente nella confezione. Il gruppo di Correggio, infatti, riporta a casa l’esperienza (umana, culturale, artistica) consumata di recente tra i Boscimani del Kalahari. E gli echi di quei canti, suoni e rituali in via d’estinzione ricorrono nelle dieci tracce del disco, mescolati alle visionarie suggestioni elettroniche del produttore Eraldo Bernocchi e sovrapposte alla forma-canzone elaborata dagli autori. Ne consegue un lavoro che affascina proprio per l’intricato accumulo di materiali etnici, tecnologici ed armonici intesi ad annullare (spesso felicemente) le distanze fra Africa, Inghilterra ed Emilia. Drum’n'bass, tecnofunk, hip e trip hop, beats sintetici ed esercizi vocali di manipolazioni assortite si aprono al contributo del mago Howie B. in una sorta di “jam cosmica” (Sacralità) mentre il newyorkese Mr.Dead è la “necrovoice” di Presenze. Nella legge del contrappasso, piacciono soprattutto la leggerezza di Onda armonica e la pesantezza della adrenalinica Madicine man.

Flavio Brighenti da Musica di Repubblica (18.03.99)

dal sito ufficiale di Tavernelli

Si parte con il suono della steel guitar poggiata sulle ginocchia, nuda e cruda, a cercare le note, e capiamo che c’è un viaggio che ci attende. Un percorso segnato dal richiamo per il blues sporco, contaminato dall’elettronica, come forma semi improvvisativa, ma anche da una perizia tecnica e da una lucidità quasi Frippiana. Enrico Merlin nasce a Milano nel 1964. Attualmente fa parte di diverse formazioni, tutte di area jazz, che spaziano dal ragtime all’avanguardia… diciotto brani che testimoniano una ricerca timbrica di alto livello. Non solo multilayering chitarristico, ma manipolazione sonora a 360 gradi, attraverso il trattamento di spezzoni rumoristici, frammenti radiofonici e musicali. Un patchwork sonoro che viaggia spesso in un clima irreale e sospeso, come dimostra la straniante dinamicità di un brano come Dust from a Crusher. Eppure, proprio quando sembra di aver afferrato il bandolo della matassa, di aver penetrato i segreti di questo lavoro, ecco gli squarci acustici che non ti aspetti (Serenata Interrotta), ecco il taglio deliziosamente funky latino di Electrician, Don’t Be Afraid of the Dark, la delicata dedica ai figli di More than Water in the Ocean, la cover di Little Wing di Jimi Hendrix appesa a una chitarra satura e whawhata.
Paolo Carnelli

http://www.discogs.com/user/JOECOOOL

or another interesting review here:
http://www.allmusic.com/cg/amg.dll?p=amg&sql=10:0ifrxq8jldfe

http://www.rockol.it

Franchini Vittorio (28 settembre 1998) – Corriere della Sera

Dopo il bellissimo brano d’apertura l’album prosegue seguendo questo stile particolarissimo, fino ad arrivare ad uno dei più bei pezzi del lavoro, Zu Circus, il quinto: un mix di momenti caratterizzati sempre da perfetti incroci fra gli strumenti, pause scandite anche da un secco urlo che ordina di ricominciare a suonare, ordina di riprendere la masnada musicale. La tensione creata da questo album in cui gli strumenti non ti danno tregua grazie ai continui cambi di ritmo, tempo, prosegue con i successivi brani: molto coinvolgenti brani come Epidurale e Erotomane. Dall’inizio alla fine questo album colpisce per la velocità e la precisione degli stacchi (velocità e precisione rispettate anche in maniera spettacolare dal vivo), e si viene facilmente catturati da questo jazz-core-noise davvero particolare. Per concludere in bellezza c’è l’ultimo pezzo La grande madre delle bestie il cui inizio sembra quasi una sorta di dialogo fra la tromba e il sax da una parte e la chitarra dall’altra; quest’ultima risponde agli accordi dei primi due strumenti per poi fare entrare in gioco anche la batteria e il basso, i cui momenti solitari o in compagnia della batteria in questo album sono stupendi.
Bromio è il biglietto da visita di questa band romana che ha continuato a lasciare a bocca aperta anche con i lavori successivi, una band che ha anche collaborato con vari musicisti, tra cui Roy Paci, Eugene Chadbourne, suonato con i No Means No, seguito in tour i Melvins e i Fantomas. La varietà dei musicisti coi quali gli Zu hanno avuto a che fare è la dimostrazione che questo gruppo ha dato vita ad uno stile proprio ed estroso in cui si incontrano e convivono diversi generi.
Bromio, epiteto del dio greco Dioniso, è un album che rappresenta magistralmente l’irrazionalità, il caos, l’istintività (tutte caratteristiche del dio stesso). Gli Zu non avrebbero potuto trovare titolo migliore per questo loro primo lavoro.

Paola Andriulo su http://www.rockline.it

Luca su http://www.mescalina.it

Le frequenze cinguettanti del laptop di Ikue Mori spingono verso dissonanze calibrate: emerge dapprima il jolly percussivo di Cyro Baptista, poi un riff- àncora decretato dalla chitarra spavalda di Marc Ribot. È un po’ il biglietto da visita, uno schema che si ripeterà, che va a regime col vamp di basso elettrico che Trevor Dunn rumina in 6/8.
È il momento del boss. Zorn espone il tema, poi costruisce un assolo da manuale, alternando come di consueto un eloquio seducente a graffi crudeli.
Il ritornello orientaleggiante è doppiato dal piano elettrico di Saft, che in Masada sembra incerto tra la sonorità del Corea con Davis e quella di Gregg Rolie con la Santana Band. Uno spasso. Ma la passerella non ha pause. Ecco la giostra di sole percussioni, i lamenti chitarristici col wha-wha, i ritorni a capo e la sfumata finale.

Electric Masada sembra una “garage band” però di virtuosi e consapevoli veterani, che rispolverano i suoni degli anni ‘70 con divertimento greve ma contagioso.
Il progetto ha più di dieci anni ormai e agli esordi era proprio “elettrico”, prima che il quartetto acustico scoprisse le sue sublimi possibilità. Però era un’altra cosa, più nichilista, sperimentale.
Era un asciutto quartetto (Zorn, Medeski, Martin, Ribot), aperto a tutto.
Ora è più una allstar che va in tournée per stupire le nuove generazioni di fan.

È un gruppo di rock, sostanzialmente. Un insieme di suoni mimetici, che vogliono alludere e giocare, ma che prendono vita creativa in virtù della personalità debordante dei giocatori.
“Idalah-Abal” è in questo esemplare. Vengono in mente persino i Deep Purple, l’enfasi è iperbolica ma ironica e si assolutizza nell’impressionante saturazione finale.
C’è come una dicotomia tra lo stile dei solisti, sempre notevole, e il materiale grezzo, spesso di candida semplicità.
Dunque la fruizione di questa musica è condizionata più che in altre occasioni dal punto di vista. Chi rimprovera a Zorn di essersi ormai seduto sugli allori forse detesterà Electric Masada.
Chi invece non sta lì a sottilizzare e sa che l’autore in fondo ha sempre pigiato sul pedale dell’ambiguità, troverà questo disco irresistibile.

Ci si chiede ancora che senso abbia questo insistere sul folk mediorientale, se non quello di seppellire per sempre il sentimento apolide e affermare invece un’identità forte, un’appartenenza che è anche scelta di campo sociale. Ma anche qui, l’ambiguità regna sovrana.

Le diverse anime della musica “ebraica” convivono, se è vero che “Hadasha” dà spazio a ritmi di origine ispanica, tradotti con una semplice quanto energica scansione afro- cubana, dove Zorn dà il meglio in un zigzagare dapprima melodico-pulito, poi boppistico, infine liberissimo.
Certo che vedere il gruppo in pedana è ancora un’altra cosa, con la complicità tra i musici, la teatralità di Baptista, le conduzioni gestuali di Zorn.
Il repertorio si placa un poco con il temino di “Yatzar” e con “Lilin”, fino al rush finale di “Kisofim”, dal crescendo quasi epico.
Vivamente consigliato.

Stefano Merighi su allaboutjazz.com

Compositore, saxofonista, produttore, ideatore e titolare dell’etichetta discografica indipendente Tzadik, nonché affermato talent-scout, John Zorn ha festeggiato il suo cinquantesimo compleanno proprio lo scorso anno.
Zorn è senza dubbio una delle figure-chiave della musica contemporanea: la sua incessante attività di musicista, supportata da una profonda curiosità per tutto ciò che è “nuovo”, da un eclettismo ai limiti della bulimia e da un’incontrollabile prolificità discografica che farebbe impallidire dalla vergogna persino uno Zappa o uno Jandek, lo ha portato a percorrere disparati sentieri artistici con estrema disinvoltura, anche a costo d’incappare in qualche insuccesso.

Impresa assai ardua, se non impossibile, è tentare di ridurre a una sola definizione la proposta musicale di Zorn: musica cameristica, classica contemporanea, avanguardia rumorista, jazz, colonne sonore, hardcore e lap-top sono soltanto alcuni degli elementi che sorreggono una fitta trama discografica in costante divenire (il nostro ha centinaia di dischi all’attivo, a proprio nome o con ragioni sociali a lui riconducibili). Non da meno sono i progetti a cui collabora regolarmente, in parallelo alla propria attività solista: Locus Solus (con Arto Lindsay, Peter Blegvad, Christian Marclay e Anton Fier ), Naked City (Bill Frisell, Fred Frith, Wayne Horvitz, Joey Baron e, saltuariamente, il folle Yamatzuka Eye dei Boredoms), Painkiller (Bill Laswell e Mick Harris, membro dei Napalm Death) e Masada (un’infinità di nomi, davvero: si fa prima a dire chi non vi abbia partecipato…), autentici super-gruppi formati da quanto di meglio l’intellighenzia musicale di fine Novecento abbia potuto offrire alla contemporaneità.

Cinquant’anni, si diceva. Sì, perché questi cinquant’anni non potevano passare inosservati, specie per chiunque possegga uno spiccato spirito imprenditoriale. Perché, dunque, non celebrarli programmando cinquanta serate con altrettante formazioni? La location, manco a dirlo, sarà il Tonic (prestigioso tempio delle avanguardie situato a Manhattan, nel pittoresco Lower East Side) e il tutto, ovviamente, sarà registrato, documentato su compact disc, impacchettato (in variopinti digipack realizzati dalla designer cinese Heung-Heung Chin, alias Chippy) e distribuito al mondo intero. Un progetto ambizioso, che non ha precedenti nella storia della musica: anche il più irriducibile dei fan dell’artista newyorkese, infatti, si troverà smarrito dinnanzi a una simile pletora di registrazioni che, a giudicare dai primi sei capitoli fino ad ora pubblicati (uno al mese, più o meno, da febbraio 2004), vantano un’incommensurabile qualità artistica.

Si parte, dunque, con il Masada String Trio (Zorn alla direzione e alla composizione, Marc Feldman al violino, Eric Friedlander al violoncello e Greg Cohen al contrabbasso: undici tracce memorabili incendiate dalle interpretazioni di tre dei migliori musicisti acustici viventi!) e si prosegue con il duo di John Zorn e Milford Graves, con Locus Solus in trio, con il gruppo Electric Masada, con un altro duo, questa volta composto da Zorn e Fred Frith e con il trio Hemophiliac.

Tra queste appetitose prime uscite, quella che lascerà una profonda traccia negli annali della musica contemporanea è la quarta, affidata all’ensemble Electric Masada (“Masada” è il nome del progetto creato agli inizi degli anni Novanta da Zorn, con l’obiettivo di riportare alla luce, reinterpretare e infondere nuova linfa vitale alla tradizione musicale ebraica): si tratta di un meraviglioso lavoro di sintesi, che spazia dal jazz elettrico (i primi riferimenti che balzano alla mente sono i davis-iani “Bitches Brew” e “Jack Johnson”) alla no wave, passando per il prog dei King Crimson e l’hard rock. Le sette composizioni (nulla è lasciato all’improvvisazione!) presenti in questo lavoro di pregiatissima fattura sono estremamente diverse tra loro, pur individuando un leit motiv nel potenziale espressivo e nell’abilità esecutiva dei musicisti coinvolti.

La formazione è letteralmente da cedimento delle coronarie: John Zorn (saxofono contralto), Marc Ribot (chitarra elettrica), Jamie Saft (Fender Rhodes), Ikue Mori (lap-top), Trevor Dunn (basso), Joey Baron e Kenny Wollesen (batterie), Cyro Baptista (percussioni). La prima traccia, intitolata “Tekufa”, presenta un incipit costruito su fraseggi lisergici di Fender Rhodes (Saft) e ipnotici tribalismi percussivi (Baptista); “Idalah-Abal”, introdotta dalla potenza della chitarra elettrica di Ribot e dall’incedere fragoroso di una sezione ritmica mozzafiato (Dunn, Baron e Wollesen), è un susseguirsi di esplosioni e colpi di scena; si prosegue con “Hadasha”, tredici minuti e quarantotto secondi di crescendo emozionale che principia con l’insolito abbinamento tra le percussioni del bravissimo Baptista e il sublime tocco di laptop di Ikue Mori (mai una nota fuori posto, mai una frequenza fine a se stessa); quando subentra la chitarra di Ribot, arricchita dell’effetto “wah-wah” e “bluesy” come non mai, non ci si può trattenere dallo scandire il tempo con il piede e ripensare a quei vecchi polizieschi che, negli anni Settanta, hanno fatto la fortuna delle sale cinematografiche di “serie B”; il saxofono contralto di Zorn si produce in un violento delirio di passione che, durante un progressivo chetarsi, lascia intendere un background emotivo che pesca a piene mani dal cool dei Fifties.

La struttura di “Hath-Arob” consta di schizofrenici inseguimenti ritmici all’insegna dell’atonalità, che farebbero sì la gioia di Ornette Coleman, ma anche dei Ruins. Poi ci sono “Yatzar”, “Lilin” e “Kisofim”, summa del lirismo Zorn-iano nonché vetrina del virtuosismo chitarristico di Ribot che, a più riprese, omaggia il desertico Ry Cooder. Ciò che impressiona di questa incisione è il perfetto equilibrio, l’intesa e la coesione dei musicisti, che sembrano suonare assieme da sempre e che coinvolgono l’ascoltatore al punto da indurlo a credere di essere proprio lì, sul palco, assieme a loro.

“Electric Masada: 50th Birthday Celebration Volume Four” si colloca al vertice della produzione Zorn-iana e costituisce uno dei primi grandi capisaldi della musica tout-court d’inizio millennio. Imperdibile.

No-Neck Blues Band, apprezzatissimo collettivo dell’underground newyorchese, rock di improvvisazione free-form psichedelico, con incursioni folk-noise; gruppo tra i più enigmatici e misteriosi degli ultimi anni, tanto da collaborare con un mostro sacro come John Fahey.

I due gruppi in questione, simili per attitudine e indole musicale, si conoscono, si piacciono, ne nasce un sodalizio artistico con la benedizione della Staubgold, lungimirante etichetta tedesca di musica elettronica e sperimentale (nel senso più ampio del termine). Quello che ne esce fuori è un lavoro davvero molto interessante, dove prevalgono le atmosfere free-folk ed etnico-tribali, non rinunciando affatto a divagazioni squisitamente jazzistiche come nel caso di “After Marja’s Cats”, “Five Grams of the Widow” o “Die Farbe Aus Dem All”, dove chiari sono gli echi fusion della Mahavishnu Orchestra.

Tutto il disco sembra catapultarci in lontane atmosfere esotico-tribali, in una sorta di ideale rito d’iniziazione, sospesi al confine del mondo, si respira l’aria delle praterie australiane o degli sterminati deserti africani. Australia e Africa, non a caso, visto che Christian Burchard, fondatore, leader storico e deus ex-machina degli Embryo, ha viaggiato molto in quei posti alla ricerca di ispirazione, nuove sonorità e strumenti da inserire nelle sue interminabili session, non di rado collaborando anche con musicisti di quelle parti. Il disco risente maggiormente delle atmosfere Embryo, specie quelli del primo periodo, e all’attitudine sperimentalmente etnica del buon Burchard, rispetto a sonorità più rock-noise, tipicamente No-Neck Blues Band, che tuttavia sono coprotagonisti di primissimo ordine.

Quello che colpisce, non è solo l’incredibile organicità e intensità del lavoro, per altro magistralmente suonato, ma anche la sterminata quantità di strumenti utilizzati nella composizione dell’album. Vibrafoni, marimbe, didjeridoo, percussioni, corni, flauti, strumenti aborigeni a corde, archi, ma anche pianole, strani gargarismi, voci sussurrate e campanelli che, ingegnosamente e “lisergicamente” incastrati, attribuiscono al disco un alone di magia e mistero senza tempo.

NicholasRodneyDrake su http://www.debaser.it

Non sarà la classica attrazione dei poli opposti, senza voler scomodare le leggi dell’elettromagnetismo, non sarà neppure un legame esoterico, anche se la componente rituale è massiccia e intrigante, specie nella musica della No Neck; sarà piuttosto qualcosa di molto più terra terra, come una simpatia nata spulciando vecchi vinili impolverati, fatto sta che la testimonianza di questa collaborazione a dir poco impronosticabile esiste ed è uscita per la berlinese Staugbold, sotto il titolo di “EmbryoNNCK” (notevole lo sforzo di fantasia).

Molte altre parole potrebbero essere spese per evidenziare le differenze tra i due gruppi: ensemble stabile e con più che fissa dimora quello americano, cangiante (il solo Burchard è presenza fissa fin dall’esordio) e sempre in giro per gli angoli più impensabili del pianeta quello tedesco; militi poco più che ignoti della variegata scena weird i primi, figli di un kraut minore i secondi, sempre più attenti alle contaminazioni con prog e ritmi esotici, che ai lunghi viaggi cosmici o alla ricerca del “motorik” perfetto.
L’aspetto saliente di questo lavoro va individuato, comunque (e per fortuna, direte voi), nella musica: distante dai lavori dei due gruppi presi singolarmente, è un groviglio inestricabile di contributi, sempre di notevole fattura, provenienti da ambo le parti. Xilofoni, bonghi, ritmi malati e tribali, melodie e rumorismi, tessuti sonori jazzati e progressioni catartiche, nenie orientaleggianti e lamenti spettrali.

Il disco è racchiuso dai raga di “Wieder Das Erste Mal” e “Das Erste Mal”, posti rispettivamente all’inizio e alla fine, brani più lunghi e, nel contempo, completi del lotto, veri e propri compendi dell’esperienza del supergruppo, forte di almeno tredici membri accreditati. In mezzo molta altra carne al fuoco, come “Five Grams Of The Widow”, breve composizione dal sapore lounge, nonché unico brano registrato dal vivo. “After Marja’s Cats” è più rarefatta, quasi completamente priva di percussioni, con tintinnii, stridori e maracas stonate a far le veci della sezione ritmica, mentre la successiva “Frank Cologne” è un respiro affannato su un tessuto di xilofono e rumorismi assortiti. “Die Farbe Aus Dem All” potrebbe essere la versione più ritmata e accelerata di un brano preso dall’ultimo (stupendo, secondo chi scrive) lavoro della No Neck, o una riedizione malata degli Embryo di “We Keep On”, a voi la scelta. “Zweiter Sommer” insiste sulla reiterazione e sul tribalismo, veri e propri caratteri identificativi dell’album, assolutamente consigliato, a prescindere dall’amore che si può nutrire per ciascuna di queste due band fenomenali (se vi stanno a cuore, l’acquisto non può che essere obbligatorio).

“EmbryoNNCK” è musica terribilmente viva e pulsante, avete uno spazio grande quanto un oceano e il classico imbarazzo della scelta per collocarne il cuore. L’importante è carpirne il battito.

Filippo Neri su http://www.ondarock.it

Luca Sofri

When I played it at home, I found that his singing was in tune with my piano, and I improvised a simple accompaniment. I noticed, too, that the first section of the song – 13 bars in length – formed an effective loop which repeated in a slightly unpredictable way. I took the tape loop to Leicester, where I was working in the Fine Art Department, and copied the loop onto a continuous reel of tape, thinking about perhaps adding an orchestrated accompaniment to this. The door of the recording room opened on to one of the large painting studios and I left the tape copying, with the door open, while I went to have a cup of coffee. When I came back I found the normally lively room unnaturally subdued. People were moving about much more slowly than usual and a few were sitting alone, quietly weeping.

I was puzzled until I realised that the tape was still playing and that they had been overcome by the old man’s singing. This convinced me of the emotional power of the music and of the possibilities offered by adding a simple, though gradually evolving, orchestral accompaniment that respected the tramp’s nobility and simple faith. Although he died before he could hear what I had done with his singing, the piece remains as an eloquent, but understated testimony to his spirit and optimism.

The piece was originally recorded on Brian Eno’s Obscure label in 1975 and a substantially revised and extended version for Point Records in 1993. The version which is played by my ensemble was specially created in 1993 to coincided with this last recording.

Gavin Bryars.

Molte di queste sono canzoni di ubriachi, arie d’opera, canzoni popolari. Dalla voce di una di queste persone, invece, esce un inno religioso, “Jesus blood never failed me yet”.

Gran parte del materiale non verra’ usato nel film e rimane nelle mani di Bryars, che all’epoca sta cominciando a concepire alcune idee di musica concreta (La musica concreta utilizza suoni “veri”, quindi voci, rumori e quant’altro, insieme a strumenti tradizionali. Se oggi, con i campionatori, questo ci sembra ovvio e banale, cosi’ non era trent’anni fa, quando per avere cose del genere era necessario usare il nastro magnetico NdR ). Questo frammento, soprattutto, è rimasto particolarmente caro a Bryars, che – dopo poco – si accorge del fatto che la melodia del vagabondo e’ intonata col suo pianoforte. Bryars comincia quindi a suonarci sopra, a concepire idee.

Ma e’ solo l’inizio.

La registrazione dura venticinque secondi: troppo pochi, e’ quindi necessario mandarla in loop tramite un nastro chiuso ad anello, seguendo peraltro uno dei procedimenti cardine del minimalismo: l’individuazione di una cellula sonora, che, replicata, fornisce lo scheletro del brano. E qui avviene la rivelazione: durante una delle sedute di composizione, in studio, Bryars dimentica il loop attivo e va al piano di sotto a prendere un caffe’, lasciando la porta aperta. Quando torna indietro, nello studio di pittura attiguo alla sala incisione, colmo di artisti solitamente vivaci e rumorosi, c’e’ il silenzio, gente con lo sguardo fisso, uno che addirittura singhiozza. E sullo sfondo la voce di questo vagabondo, che canta “Jesus blood never failed me yet, there’s one thing I know, for He loves me so…”. Nessuno ha smesso di lavorare, nessuno si e’ in apparenza accorto del nastro.
Bryars comincia quindi a orchestrare il loop, ma andandoci con i piedi di piombo, per evitare di scalfire l’enorme potere emozionale di questa composizione.

Cominciano quindi gli esperimenti che portano alla prima incisione, nel 1975, limitata dalla lunghezza di un LP. Ma il pezzo non si ferma, e Bryars continua ad evolverlo, per concerti e altre incisioni.

Quando esce la versione in cd, nel 1993, Bryars presenta una versione di 74 minuti di questa composizione, in cui il loop e’ ripetuto quindi circa centocinquanta volte.

Il primo pensiero, quindi, e’ “Che du’ palle!”. Ma e’ perche’ non l’avete ancora sentito.

E quindi mettiamo il cd nel lettore e ascoltiamo.

Lentamente, dal silenzio, ecco la voce del vagabondo, che viene poco alla volta raggiunta da un quartetto d’archi che ne accompagna il canto, al quale si aggiungono arpa, organo e alcune percussioni. L’accompagnamento si evolve, fino a sfociare nella seconda sezione, in cui la parte centrale dell’accompagnamento e’ svolta da sei violoncelli, eleganti e signorili, e da una campana, a cui lentamente si aggiunge un coro; nel terzo segmento gli archi spariscono completamente, lasciando posto ai fiati e al coro, fino a ricomparire tutti insieme, scuri e chiari, (tra gli archi si definiscono “chiari” gli strumenti ad accordatura piu’ acuta, come violini e viole, e “scuri” quelli piu’ gravi, come violoncelli e contrabbassi, NdR). Finche’ si penserebbe che l’evoluzione del brano si sia conclusa, quando avviene un’autentica sorpresa: arriva una voce che si mette a duettare con il vagabondo.
Questo e’ molto particolare: per la prima volta in quasi un’ora c’e’ qualcuno che duetta, non accompagna.
E dopo qualche secondo di stupore, riconosciamo la voce: una voce unica, roca all’inverosimile, che sa di whisky e di motel, di sigarette e di notti all’addiaccio, di amore e di morte, per dirla con Baricco ‘La voce di tutti i barboni del mondo’.

Tom Waits

E Tom si mette a cantare col barbone, se non lo si sapesse non si direbbe mai che Waits sta duettando con un loop cantato da una persona che non conosce. Perche’ i due sembrano conoscersi, e anche bene, sembra che stiano cantando insieme da tutta la notte, mentre camminano lungo le Banks londinesi, sotto una luna e con un freddo micidiale.
E cantano, cantano, cantano, “come se non avessero fatto nient’altro per tutta la vita” (sempre Baricco, vedi nota).
Deve purtroppo giungere anche la fine, il vagabondo se ne va, rimane Tom Waits, che se ne andra’ presto anche lui, accompagnato dai soli archi chiari e dal coro, andando a finire in un tripudio di luce.

La collaborazione di Waits non e’ casuale: racconta Bryars che nel 1982 Waits gli telefono’ per chiedergli una copia della prima edizione di questo disco, dato che l’aveva persa e che era “il suo disco preferito”: nell’edizione 1993, quindi, e’ naturale che Bryars coinvolga nel lavoro un fan di lusso come Tom Waits.

Cente in http://www.covodeglisbronzi.it

Il risultato della contaminazione fra sorgenti cosi` diverse di idee, Engine Takes To The Water (Quarterstick, 1995), e` uno “slowcore” ragionato, concettuale come nella scuola di Slint e Bitch Magnet, ma anche fruibile nell’accezione dei Codeine. Cosi` Have A Safe Trip Dear si apre con una sequenza di accordi sparuti e impiega quasi cinque minuti a prendere forma (e velocita’). In I Get My Kicks For You si aspetta invano che succeda qualcosa: la lunga e snervante sequenza di accordi staccati finisce in una sgraziatissima distorsione, senza che nel brano sia successo nulla. Anche nel formato piu` rock di June Miller e Mindel il gruppo rimane sempre ancorato a uno stile sbilencho e sgangherato. E invece all’improvviso Mooch si apre sui rintocchi di una melodia chitarristica e Sink Is Busted si concede un’armonia rilassata, segno che forse stiamo assistendo alla nascita di un nuovo stile di decostruzione pop. Le ricette strumentali dei June Of 44 sono originali, imprevedibili e quasi sempre suggestive. Cio` che manca al gruppo e` forse un cantante che non si limiti a chiacchierare.

Fra le novita` degne di nota del mini-album Tropics And Meridians (Quarterstick, 1996) forse un rumore piu` granitico nella lunga jam di Anisette (nove minuti), l’ipnotica giungla di accordi mantra-psichedelici dello strumentale Lawn Bowler (sette minuti), il bisbiglio blues ultra-catatonico di Arms Over Arteries (sei minuti). Questo viaggio nelle viscere dello spazio sonoro finisce in grande stile con il dub dissonante di The Trees That They Once Lived In (ribattezzato in seguito Sanctioned In A Birdcage), fra bailamme di chitarre e una predica invasata. Il tutto ha un portamento quasi classico, misurato e certosino. La loro canzone e` una struttura aperta, percossa da nevrosi subliminali, eccitata da scosse emotive intermittenti, dilaniata da angosce sotterranee, puntellata da suoni discontinui. Il loro metodo consiste in un coerente accumulo di conflitti armonici. Il cantante rimane un declamatore altisonante, ma poco duttile, e tutto sommato il punto debole di questa formazione strumentalmente ineccepibile.

http://www.scaruffi.com

http://www.rocklab.it

from scaruffi.com

Chi ha tentato di classificarli, ha spaziato dal thrash funk al genere alternative rock. Il cantante e bassista Les Claypool stesso ha definito la loro musica come psychedelic polka. La band si distingue per le composizioni sui generis ed un irriverente approccio alla musica – hanno pubblicato le loro opere per l’etichetta Prawn Song Records, una parodia della Swan Song dei Led Zeppelin, inoltre il loro slogan era Primus sucks! (I Primus fanno schifo!), utilizzato fino al 2003.
(I Primus sono l’unico gruppo ad avere una propria tag ID3V1.)

from wikipedia

(scaruffi.com)

lazwell e bernoccolo, li cercavo da un pò…

http://www.succoacido.it

http://www.sodapop.it

Come gran parte della corrente industriale, anche la musica dei Clock DVA doveva in realta` molto alle suite psichedeliche degli anni ‘60. E infatti la prima registrazione delle loro jam, White Souls In Black Suits (Industrial, 1980 – Italian, 1982), sembra un ibrido di improvvisazione jazz-rock e di deliri acid-rock. Sulla cassetta brillano soprattutto Non, con una vertigine di cacofonie cosmico/psichedeliche di Hammond, un sordido sottofondo di rumori spettrali di Collins e un sonnambulismo demenziale di Newton, e ancor piu` la musica da camera di Anticharge, un lungo rantolo subsonico per squittii di sax, scordature di chitarra, tamburi anemici e stridore di clarinetti. I Clock Dva non inseguono la trance massacrante dei Gristle, ma una piu` dispersiva ricerca particellare sul suono, che parte addirittura dall’Hendrix di 1983 (Discontented, un anti-inno nichilista) e dal Beefheart di Trout Mask Replica (Consent) e arriva alle piece surreali dell’Art Ensemble of Chicago (Contradict) e al boogie abrasivo e futurista degli Stooges (Relentless).

http://www.scaruffi.com

from http://www.rosaselvaggia.com

“Raising Sand” si direbbe un disco semplice, un abbandono all’emozione pura. Ma la cosa più bella è che finalmente Plant ammette di avere una certa età, perciò nel disco non troverete nessun azzardo di imbarazzanti acuti (già visti in alcuni lavori da solista). Mentre la ragazza, star del blues, è perfetta assieme a lui, e il progetto funziona. Classico e moderno trovano una fusione inaspettata, oltre a sfumature folk e il buon vecchio blues di sempre.

Atmosfere dolci e sognanti, voci celestiali e musica rilassante. Un netto distacco dalla musica di oggi: se infatti i vecchi cantautori americani ora pubblicano dischi che li rendono ancora più decrepiti, qui Plant sembra tornare giovane, e riscoprire il vero amore di cui tanto parlava con un gruppetto chiamato Led Zeppelin.

“Raising Sand” si propone come il probabile miglior disco dell’anno. Non perdetevelo, nostalgici o appassionati di vera musica che siate.

http://www..debaser.it

Il ricordo è ancora vivissimo, impresso nella mia memoria in maniera indelebile.

Era il 1990 ed io ero già Kid DjD, brufoloso ragazzetto fissato con la musica ed il rap in particolare; mettendo religiosamente i soldi da parte stavo ricostruendo la storia della Doppia H e di tanto in tanto mi avventuravo in ambiti molto lontani dalla cultura “microfono+campionatore+giradischi”.

Il cugino più grande mi registrò una cassetta con canzoni sparse dei Pixies, la cugina invece mi regalò KissMe (x3) dei Cure mentre Metrosexual Flash mi introduceva ai Pink Floyd e ai King Crimson dando vita quindi ad un confuso rockettaro parallelamente al pischello che voleva essere Jam Master Jay.

Come ogni ragazzetto passavo tanto tempo davanti a Video Music, la mitica proto MTV italiana che mandava non solo i video pop ma anche le cose più ricercate e figherrime.

Un pomeriggio di primavera, non lo dimenticherò mai, vidi il videoclip di NO KID degli Urban Dance Squad e quasi urlai dalla gioia.

Bestiale, incredibile, inaudito!

Una band rock (chitarra+basso+batteria) con un rapper e un dj!!!!

SIIII!!

UN DJ!!

Orrore supremo dei rockettari talebani di quei tempi, gli UDS osavano fondere l’hardrock con il terrore riconosciuto per i puristi, ossia l’Hip Hop.

Non che fossero i primi (parlare dei Run DMC e degli Areosmith di Walk This Way, per fare un esempio, sarebbe banale) per carità.

Ma di sicuro sono stati i primi a prendere la su citata Walk This Way e a farne sistema.

Così come sono stati i primissimi ad avere come membro stabile un virtuoso del giradischi (DNA, un eroe in Olanda, uno che è arrivato a fare remix per celebrissime popstar) e un vero e proprio rapper (un po’ scarso ma molto simpatico, il vecchio Rudeboy) come vocalist.

Avevo un buono da spendere per un cd (non ricordo, ma sarà stato tra i primi compact che ho comprato in vita mia) e scelsi di comprare (e la pirotecnica NO KID la avevo ascoltata solo una volta) questo

urban dance squad – mental floss for the globe

Mental Floss For The Globe (il titolo dell’album)

che è niente di più e niente di meno che un fottuto capolavoro, una pietra miliare della mia estetica musicale, lo sdoganamento finale dell’abbattimento delle barriere tra 2 cose solo apparentemente lontane, il rap e l’hard rock.

Ed è anche un’ingiustizia suprema, una di quelle che grida vendetta da quasi venti anni, perchè la formula crossover tra rime e chitarroni sarà resa famosa in maniera globale da un’altra grandissima band e cioè i Rage Against The Machine.

Certo, Mike Patton rappava di tanto in tanto dei Faith No More (e lo faceva con risultati molto più scarsi quel finocchio dei Red Hot Chili Peppers), i Run DMC e i Public Enemy campionavano chitarrazze bestiali nei loro pezzi, ma gli UDS furono ( e mi ripeto) i pionieri dei due mondi che si fondono come intenzione sistematica.

Il loro debutto, così come i successivi, spacca ancora alla grande, alla grandissima.

Funk, Hardcore, Hip Hop in una sola meravigliosa, caldissima bomba atomica di disco.

Ed io lo sto ascoltando in questo momento.

p.s. gli UDS non erano una band di spacciatori di Los Angeles, erano tutti di Amsterdam!!

Il chitarrista franco-vietnamita Nguyên Lê affronta con i due amici Paolo Fresu e Dhafer Youssef una nuova sfida per la quale si da regole piuttosto interessanti che caratterizzano a livello strutturale e produttivo questo Homescape, un titolo decisamente programmatico.

L’idea è per l’appunto quella di utilizzare come ‘locus’ creativo lo studio di registrazione domestico del musicista, nel quartiere Barbès di Parigi. In questo ambiente familiare Nguyên si ritrova con Paolo Fresu (un musicista che è ormai cittadino del mondo, in costante peregrinazione per suonare in giro, soprattutto in Europa) e con il suonatore di oud Dhafer Youssef, anche lui emigrato di lusso, ma anche suo vicino di casa e quindi più facilmente raggiungibile.

Le loro improvvisazioni vengono registrate in lunghe sedute dove si cerca l’ispirazione e il bacio fatato della musa e poi con l’ausilio del computer vengono individuate sezioni che si prestano a diventare elementi tematici e il materiale prende forma in una quindicina di brani di breve o media durata (da due a sette minuti).

E’ una tecnica che assomiglia un po’, fatte le debite modifiche figlie della tecnologia ora disponibile, a quello che aveva fatto Teo Macero con Miles Davis alla fine degli anni sessanta. In quel caso i musicisti andavano in studio di registrazione, i nastri venivano lasciati correre senza sosta e poi si ricostruivano brani con montaggi creativi e soluzioni che prendevano a prestito alcune modalità dalla musica concreta e dalle avanguardie rese celebri principalmente da Pierre Schaeffer e Karl-Heinz Stockhausen, senza dimenticare John Cage e i suoi “Fontana Mix” creati a Milano nella seconda metà degli anni cinquanta.

Per alcuni anni questo modo di procedere diventò una regola a casa Miles e il trombettista, assieme a Teo Macero, la applicò anche a materiale registrato dal vivo in concerto, come nel caso del celebre Miles at Fillmore del giugno 1970. Lo stesso avviene oggi nel progetto di Nguyên Lê che infatti ricostruisce un paio di brani (“Mangustao” e “Byzance”) a partire da materiale registrato a Glasgow a fine ottobre del 2005, in occasione di un concerto in duo con Dhafer Youssef.

I risultati sono decisamente interessanti e il chitarrista si conferma una delle voci più originali e preparate del panorama della sei corde moderna. Straordinaria è soprattutto la sua capacità di fraseggio che si esprime anche nelle anguste stradine dove il tempo si fa molto mosso e la scansione è del tutto fuori dal canonico 4/4. Con Nguyên non si ha mai l’impressione di ascoltare delle scale o degli arpeggi ripetuti meccanicamente, ogni frase ha un suo senso ritmico e melodico, ogni passaggio impervio si risolve alla grande, con un apprezzabile senso compiuto.

I due compagni di strada sono sempre all’altezza della situazione e si trovano a loro agio negli scenari cangianti che profumano di oriente e di occidente, di emisferi contrapposti, di culture millenarie perse nella timeline seghettata del tempo, alternandosi fra le improvvisazioni che diventano come per magia nuove composizioni e un paio di brani già noti, a cominciare da quel “Chelsea Bridge” di Billy Strayhorn che brilla come una piccola gemma incastonata nel flusso creativo, con la tromba di Paolo Fresu in grande evidenza.

L’album dei napoletani Missselfdestrrruction aveva segnato una delle più belle uscite Snowdonia del 2001, ma nulla avrebbe fatto presagire la tappa successiva di Maurizio Argenziano e Massimo Spezzaferro , che hanno deciso di unire chitarra e batteria alla violista classica Anita Furlani ed al sassofonista jazz Mario Gabola per dar vita ad un idioma in costante mutamento, dove l’equilibrio tra scrittura e improvvisazione lascia vitali margini di incertezza e la struttura fortemente narrativa di quasi tutti i brani alterna feroci emissioni noise e severa avanguardia cameristica con studiata nonchalanche. Gabola lascia spesso trasparire la sua formazione bandistica, come nella sezione conclusiva di ‘Shitting Everywhere’, ma piega il linguaggio del suo sax ad una miriade di dialetti differenti, dal rock in opposition stile Henry Cow alla mitteleuropa degli ultimi Tuxedomoon passando per urticanti emissioni post-free. La viola si staglia nella sua compostezza accademica ogni qualvolta le rutilanti tempeste elettromagnetiche tendono a diradarsi, ma non disdegna anch’essa fitte figurazioni “in oppsition” e contaminazioni folk (belle le turcherie di “Addensantesi”). Il collettivo si muove con incastri ritmici e armonici perfetti, distendendosi quasi solo sull’inquieto lirismo di “Tutto Si Versa Fuori”, per il resto mantenendo una tensione spasmodica, rotta da sporadici sfoghi iconoclasti (l’attacco di “31 Salvitutti” ricorda le cascate di rumore e percussioni degli Absolute Zero). Prodotto da Alessandro Cartolari negli studi di Anatrofobia, l’album di A Spirale è ulteriore testimonianza dell’ottimo stato di salute di una scena free-rock radicale, da qualche anno affermatasi come uno dei veri filoni auriferi dell’underground nazionale. (Enrico Ramunni )

Greatest rock bass players of all times:
1° Les Claypool (Primus)
Greatest rock drummers of all times:
7° Tim Alexander (Primus)
Greatest rock guitarists of all times:
after 50° and before 100° Larry Lalonde

E’ difficile buttare giù due righe se nel frattempo la musica scorre attorno. Se i movimenti del mio capo o il ticchettare ritmico delle dita sulla mia tastiera sono reali, beh, l’unica cosa che mi viene in mente è riempire con tali immagini il mio concetto di “irresistibilità”.

L’idea è furba: iniziare la celebrazione di musica ancora troppo vicina nel tempo per prendere il posto di Gianni Morandi e Caterina Caselli nei lettori di noi al passaggio fra la condizione di figli a quella di genitori, e decontestualizzarla però in maniera radicale.
Per accentuare l’effetto straniamento cooptare più vocalists donna di giovane età, sincerandosi che non conoscano la materia cantata, e ammantare poi il tutto di campanacci, fischietti, chitarre acustiche e spazzole.
Il risultato è sorprendente, ammaliante, freschissimo, sensualmente penetrante.
E così la voce di Andrew Eldritch, quintessenza di caverna ugolare platonica, diventa il morbido velluto di sospiri di Alex; l’inglesità nasale di Colin Moulding diviene la strascicata lascivia di Camille; mentre il lamento viscerale di Robert Smith perso nella foresta tutto solo muta, al passaggio fra le corde vocali di Marina, in una scena con Emmanuelle nel boschetto poco al largo di una tenuta coloniale. (Perché tanto, in fondo, alla fine anche i Cure presero ad usare la marimba).
E solo per sineddoche indicherò la stupenda “In a manner of speaking” dei Tuxedomoon che qui spicca per dolcezza e suadenza, come classico assoluto, in originale ed in cover.
Sembra stata scritta dai Nouvelle Vague, ovvero da Marc Collin e Olivier Libaux, due furbastri geniali, due marpioni scaltri a cui rendiamo onore, perché tanto, tornerà un altro inverno, cadranno mille petali di rose e la neve coprirà tutte le cose..

(http://www.indiepop.it/bands/nouvellevague.htm)